UMBRAL, MARCAMOS TENDENCIA
Santo Domingo. – El acuerdo de cooperación suscrito entre República Dominicana y Estados Unidos ha generado una aguda polarización entre los sectores políticos y sociales del país.
El actor y leyenda de las artes marciales falleció en la intimidad de su hogar, rodeado de los suyos, dejando tras de sí un legado que trasciende la pantalla para instalarse en el imaginario popular como un símbolo de fortaleza inquebrantable. La familia confirmó la noticia este jueves, solicitando respeto en medio del duelo y destacando al hombre devoto que existía detrás del mito. Por Redacción de Cine umbral.local/ El mundo del cine y la cultura popular se vistió de sombra este jueves con la confirmación de una noticia que, aunque esperada en el ámbito de lo privado, resuena con la fuerza de un impacto en lo público: Carlos Ray Norris, conocido eternamente como Chuck Norris, ha partido. La familia del artista marcial e intérprete informó, a través de un escueto pero profundo comunicado, que el actor falleció la mañana del miércoles, en la quietud de un entorno íntimo, acompañado por el calor de sus seres queridos, esos que siempre fueron, según sus propias palabras, su única y verdadera trinchera. La noticia, que circuló con la rapidez de un golpe certero, vino acompañada de una solicitud explícita: el respeto por la privacidad de un duelo que apenas comienza. Los familiares, celosos guardianes de sus últimos momentos, optaron por no revelar las circunstancias específicas de su deceso, limitándose a señalar que el actor “descansaba en paz” cuando la vida le concedió la tregua definitiva. En el mensaje, los allegados trazaron con delicadeza el retrato de un hombre que supo habitar dos mundos sin que uno opacara al otro. “Para el mundo fue un artista marcial, actor y símbolo de fortaleza”, expresaron en la misiva. “Para nosotros, fue un esposo devoto, un padre y abuelo amoroso, un hermano increíble y el corazón de nuestra familia”. En esa dualidad reposa quizás la clave de un legado que pocas figuras de la acción logran consolidar: la del héroe de celuloide que no desdibujó al hombre de fe, disciplina y propósito que, según sus deudos, guió cada uno de sus pasos dentro y fuera del set de filmación. Norris, cuyo rostro de hierro y piernas célebres —dueño de un récord en el mundo de las artes marciales que la leyenda urbana se encargó de magnificar hasta hacerlo inmortal—, supo capitalizar una imagen de estoicismo que caló hondo en generaciones enteras. Desde su irrupción en la década de los setenta junto a Steve McQueen o Bruce Lee, hasta la glorificación kitsch de su figura en la cultura de internet, Chuck Norris fue más que un actor: fue un arquetipo. Un arquetipo que, sin embargo, la familia se encargó de humanizar en estas horas de despedida. “Estamos profundamente agradecidos por la vida que vivió y por los momentos que compartimos con él”, añadieron en el comunicado, donde también hicieron llegar su gratitud por las muestras de apoyo recibidas, especialmente tras conocerse su reciente hospitalización. Aquel episodio, que encendió las alarmas entre sus seguidores, se convirtió para el artista en un espejo de la lealtad de un público que él, según sus allegados, consideraba no como meros admiradores, sino como parte de una extensa red de amigos. El legado que Norris deja no se mide únicamente en la filmografía que amasó durante décadas, con títulos como Walker, Texas Ranger que definieron la estética de la televisión de los noventa. Tampoco se reduce a sus contribuciones a las artes marciales como competidor y promotor. Su herencia, como bien lo señala su familia, se bifurca en la huella pública del mito y la impronta privada del hombre que, al final del camino, encontró su mayor victoria en la paz del hogar. Ahora, mientras Hollywood y el mundo del espectáculo asimilan la pérdida de un ícono cuya presencia parecía desafiar al tiempo, la familia Norris pide un minuto de silencio para honrar no al símbolo, sino al suyo. En medio de la consternación global, el eco de sus palabras resuena como el mejor de los epitafios: fue el corazón de una familia. Y en ese reducto, donde ni las patadas ni las cámaras pueden entrar, descansa ahora la leyenda.
La decimocuarta edición del Dominican Film Festival reunió a la diáspora con más de 70 proyecciones y eventos, coronando a la conmovedora cinta \’Día 8\’ como la favorita del público y confirmando el poder del cine nacional para conectar audiencias más allá de las fronteras. POR VIRTUDES ÁLVAREZ SAMPEDRO NUEVA YORK.— Durante varios días, el séptimo arte se vistió de bandera tricolor en el corazón de la Gran Manzana. La decimocuarta edición del Dominican Film Festival (DFFNYC) concluyó con un éxito que resonó tanto en los rascacielos neoyorquinos como en el orgullo de la comunidad dominicana. El festival no solo proyectó películas; proyectó identidad, convirtiendo las salas de cine en un pedazo vibrante de la Quisqueya emigrante, donde la creatividad y la diversidad del talento nacional, tanto local como de la diáspora, fueron las indiscutibles protagonistas. El acto de clausura, una ceremonia cargada de emoción, coronó el esfuerzo de cineastas, actores y productores que continúan labrando una huella profunda en la industria. A lo largo de una intensa semana, más de 70 proyecciones, paneles y encuentros transformaron distintos espacios de la ciudad en una fiesta del cine y la cultura, consolidando al DFFNYC como el escaparate primordial del celuloide dominicano allende los mares. ‘Día 8’: La Fe que Conquistó Times Square Entre el elenco de producciones, una historia de milagros se alzó con el fervor del público. Día 8, una conmovedora cinta inspirada en la vida del padre Emiliano Tardif, logró un lleno total en la emblemática sala 6 del AMC Empire 25, en el fulgor de Times Square. Bajo la dirección de José Gómez y la producción de Ángela Medina y Joan Monegro, el filme entrelaza tres narrativas de distintas épocas que convergen en un designio superior. Interpretada por Angeline Monegro, Marta González y el actor colombiano Juan Ángel, la película guio al auditorio a través de un viaje de fe y esperanza, recibido entre lágrimas, aplausos y silencios reverentes que confirmaron el poder del cine para conmover almas sin importar la latitud. El festival, organizado por la Latin Film Festival Alliance (LAFFA) y producido por Cine Art Entertainment Production, sirvió también como un tributo al talento de los dominicanos en el extranjero, demostrando que la patria no es solo un territorio, sino un sentimiento que se lleva dentro y que, a través del arte, puede florecer en cualquier suelo. Así, entre historias de fe, drama y cotidianidad, el cine dominicano reafirmó en Nueva York su vocación de ser un lazo indestructible que une a una nación, aquí y allá, bajo la misma luz de la pantalla.
El poeta de la guitarra inicia su gira latinoamericana en la escalinata de la Universidad de La Habana, donde comenzó todo Por Julio Guzmán Acosta La Habana, Cuba.– La voz que cinceló versos en el alma de América Latina volverá a resonar donde empezó su leyenda. Silvio Rodríguez, el trovador que convirtió canciones en banderas, anunció hoy que iniciará su nueva gira continental el 19 de septiembre en ese templo secular de la cultura cubana: la escalinata de la Universidad de La Habana. Será un concierto gratuito, como aquellos que hicieron historia. Bajo el cielo caribeño, acompañado por siete músicos de su confianza, el autor de Unicornio y Ojalá reencontrará a su público más fiel antes de emprender un periplo por Chile, Argentina, Uruguay, Perú y Colombia. No es casual el escenario elegido: en estos peldaños que han visto desfilar generaciones de revolucionarios, el joven Silvio ayudó a fundar en 1968 el movimiento de la Nueva Trova Cubana junto a Pablo Milanés y otros poetas de la guitarra. El regreso del cronista Esta gira marca el retorno de Rodríguez a los escenarios latinoamericanos después de su histórico concierto en el Zócalo de Ciudad de México (2022), donde cien mil almas cantaron al unísono sus versos. Ahora, con 77 años y un nuevo álbum (\»Quería saber\», 2024) bajo el brazo, el cantautor emprende lo que podría ser su última gran tournée continental. Será como ver florecer de nuevo el jardín que plantamos hace medio siglo, confesó el músico en su blog Zurrón del Aprendiz, donde detalló la formación que lo acompañará: desde el vibráfono de Emilio Vega hasta el piano de Jorge Aragón, pasando por la flauta de Niurka González. Una orquesta íntima para canciones que son patrimonio emocional de millones. La trova que no envejece El movimiento que ayudó a crear –esa fusión de filin cubano con poesía social– sigue siendo hoy referencia obligada para artistas jóvenes. La Nueva Trova, con su mezcla de romanticismo y compromiso, demostró que las canciones pueden ser al mismo tiempo arrullos y manifiestos. Esta gira coincidirá con el 55° aniversario de aquel concierto fundacional. Cuando Silvio cante La Maza en Santiago o Playa Girón en Buenos Aires, no serán solo recuerdos: serán versos vivos que siguen interrogando al tiempo. julioguzman@umbral.com.do © Derechos reservados. Se prohíbe la reproducción total o parcial sin autorización escrita. ¿Estará presente en algún concierto de la gira? Comparta sus recuerdos silvianos con #MiSilvioEnVivo En contexto: – Primera gira latinoamericana desde 2022 – Incluye países donde no se presenta desde 2018 (Chile) – Conmemora 55 años de la Nueva Trova Cubana – Presentará temas de su último álbum \»Quería saber\» (2024)
Desde una ácida comedia sobre los estándares de belleza hasta el clásico de Wilde en escena, la agenda ofrece propuestas para todos los gustos. Por Theo N. Guzmán SANTO DOMINGO.— El fin de semana se viste de arte con una oferta cultural que combina provocación, elegancia y diversión. En el centro de la escena, Pepe Sierra lidera \»La fea verdad\», un mordaz montaje que cuestiona los cánones de belleza y éxito en la Sala Máximo Avilés Blonda del Palacio de Bellas Artes. \»Es una comedia que desnuda nuestra complicidad con los estándares sociales absurdos\», advierte Sierra sobre esta obra del alemán Marius Von Mayenburg, que reúne a figuras como Nashla Bogaert e Irving Alberti. Mientras tanto, la Sala Ravelo del Teatro Nacional recibe una adaptación de \»El retrato de Dorian Gray\» que promete sacudir al público. Bajo la dirección de Manuel Chapuseaux, el clásico de Oscar Wilde revive con José Roberto Díaz García encarnando al enigmático Dorian, en una producción que explora la eterna dicotomía entre moralidad y decadencia. El Museo Bellapart aporta solemnidad al programa con \»Prats-Ventós. Un itinerario en tono mayor\», exposición que celebra el centenario del maestro con 81 piezas en diversos materiales. La muestra, abierta hasta septiembre, incluye talleres y tertulias para profundizar en el legado del artista. Para quienes prefieren el séptimo arte, la Cinemateca sobre ruedas ofrece funciones gratuitas en La Nueva Barquita, comenzando este viernes con \»Capitán Avispa\», filme animado que combina acción y valores familiares bajo las estrellas. Entre risas, reflexiones y arte, la ciudad se transforma este fin de semana en un gran escenario donde cada espectador encontrará su propia obra maestra.
Por Servicios umbral.local/ El documental \»La 42\», dirigido por el aclamado cineasta dominicano José María Cabral, tuvo un destacado estreno en el prestigioso festival South by Southwest (SXSW), celebrado en Austin, Texas, Estados Unidos. Según informó Cinedominicano, el filme fue recibido con una gran ovación por parte del público en sus dos presentaciones, gracias a su poderosa narrativa y su representación del barrio de Capotillo, en Santo Domingo. El documental ofrece una mirada íntima y profunda a la vida en una de las comunidades más emblemáticas de la capital dominicana. A través de una narrativa cuidadosa, la película resalta la riqueza cultural de Capotillo, destacando su música, baile y arte como expresiones de identidad y resistencia. Según Cabral, su objetivo fue capturar la esencia del barrio desde una perspectiva realista y humana, permitiendo que el público se sumerja en la vida de sus habitantes. Tras cada proyección, el director participó en conversatorios donde compartió detalles sobre el proceso creativo, los desafíos de la producción y la importancia de contar historias auténticas que reflejen la realidad social y cultural de la República Dominicana. \»Este documental es un homenaje a la autenticidad, la fuerza y la creatividad que emanan de lugares como la 42 de Capotillo. Es un tributo a sus artistas\», expresó Cabral. El barrio de Capotillo, conocido por sus fiestas callejeras llamadas \»teteos\» y otras particularidades que lo convierten en un lugar único, ha servido de inspiración para numerosos artistas, especialmente del género urbano, quienes han ambientado sus producciones audiovisuales en esta zona. Tras su exitosa participación en el SXSW, \»La 42\» se prepara para su próxima presentación en el festival de cine de la ciudad de Miami, Estados Unidos. El South by Southwest (SXSW) es reconocido mundialmente como un espacio clave para la industria del cine, la música, la tecnología y el arte. Durante décadas, ha servido como plataforma de lanzamiento para cineastas emergentes y producciones innovadoras, consolidándose como uno de los eventos culturales más importantes a nivel global. Con \»La 42\», José María Cabral no solo reafirma su talento como cineasta, sino que también lleva la cultura y la realidad dominicana a un escenario internacional, destacando la importancia de contar historias que reflejen la autenticidad y la diversidad de las comunidades.
Por Julio Guzmán Acosta En un mundo donde las secuelas y las precuelas son moneda corriente, Disney ha decidido revivir una de sus historias más emblemáticas: \»El Rey León\». La nueva película, \»Mufasa: El Rey León\», que se estrenará en cines el 20 de diciembre, no solo busca captar la atención de las nuevas generaciones, sino también rendir homenaje a los clásicos que han definido la infancia de muchos. Esta vez, el joven actor Aaron Pierre se pone en la piel de Mufasa, un personaje que ha sido interpretado anteriormente por el legendario James Earl Jones. En una reciente entrevista, Pierre compartió sus experiencias y desafíos en este papel crucial. El Peso de la Herencia Cuando Aaron Pierre fue elegido para dar vida a Mufasa, la presión de continuar el legado de James Earl Jones era palpable. \»Tenía muchos nervios y creo que esos nervios me sirvieron porque eso es lo que es la versión adolescente de ese león\», reflexionó Pierre. La voz de Jones, que se convirtió en sinónimo del Rey Mufasa, no se escuchará en esta nueva entrega, pero la película comienza con un homenaje a su figura, quien falleció en septiembre. \»Espero haber podido servir a James Earl Jones y honrar a James Earl Jones y al personaje\», afirmó Pierre, quien ha trabajado en producciones como \»Genius: MLK/X\» y \»Rebel Ridge\». Una Historia Atrapante de Orígenes \»Mufasa: El Rey León\» no es simplemente una repetición de la historia conocida. La película ofrece una exploración profunda de los orígenes de Mufasa, un viaje que comienza con la narración de Rafiki, quien comparte la historia con Kiara, la nieta de Mufasa. La infancia de Mufasa no fue un camino de rosas; de hecho, estuvo marcado por la pérdida y la soledad. \»Ha sido separado de su familia. Está huérfano. Ha sido marginado, despedido. Ha sido degradado\», explicó Pierre. Este trasfondo emocional será fundamental para entender al personaje y su desarrollo a lo largo de la historia. La relación entre Mufasa y su hermano Taka, interpretado por Kelvin Harrison Jr., será un eje central en la trama. Taka, quien se convierte en Scar, experimenta una transformación que se origina en la lucha por la aceptación y el poder. “Parece que necesito llamar la atención”, comentó Harrison, reflejando la complejidad de su personaje y su deseo de pertenecer. El Debut de Blue Ivy en el Cine Si bien Beyoncé tiene un rol menor en esta película, su hija, Blue Ivy Carter, se lleva los aplausos al hacer su debut cinematográfico como Kiara. La dirección de Barry Jenkins destaca las habilidades innatas de Blue Ivy, quien mostró un talento excepcional durante las audiciones. \»Ella llegó preparada. Fue increíble\», elogió Jenkins. La conexión de Kiara con la historia de Mufasa permite que los jóvenes espectadores se vean reflejados en su viaje de autodescubrimiento. La Música como Protagonista No se puede hablar de \»El Rey León\» sin mencionar su música. Esta nueva entrega cuenta con la participación de Lin-Manuel Miranda, quien ha compuesto siete nuevas canciones para la banda sonora. Miranda se siente emocionado por la oportunidad de expandir el universo musical de \»El Rey León\», inspirado por la icónica versión de 1994 y el musical de Broadway. “Sentí que ‘El Rey León’ es prácticamente un género de música y había espacio para jugar y encontrar cosas nuevas dentro de él”, dijo Miranda. La colaboración con Lebo M., conocido por sus contribuciones vocales en la película original, promete traer una frescura y autenticidad a las nuevas composiciones. La música, como siempre, será un elemento clave para conectar emocionalmente con el público. Conclusión \»Mufasa: El Rey León\» es mucho más que una simple precuela; es una exploración profunda de la identidad, la familia y el legado. Aaron Pierre, junto a un talentoso elenco, se esfuerza no solo por dar vida a un personaje amado, sino por ofrecer una nueva perspectiva sobre la historia que todos conocemos. Con un homenaje a James Earl Jones, el debut de Blue Ivy y la música de Lin-Manuel Miranda, esta película se presenta como una obra que promete emocionar y resonar con antiguas y nuevas generaciones. Cada rugido, cada nota y cada lágrima en la pantalla será un recordatorio de que, aunque el pasado es importante, el futuro también puede ser brillante.
La Habana, 6 dic (Prensa Latina) Como parte del Concurso Latinoamericano del 45 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana se presentará hoy en el cine Charles Chaplin el laureado filme Pepe, del director dominicano Nelson Carlo de los Santos. Prensa Latina Este largometraje es una una coproducción entre República Dominicana (Monte y Culebra, representados por Pablo Lozano, Tanya Valette y el mismo director de la película), Namibia (Joe’s Vision), Alemania (Pandora Films) y Francia (4a4 Productions). Con una mezcla entre documental y ficción, la trama genera una atmósfera inmersiva y se centra en un joven hipopótamo asesinado en la selva de Colombia y que regresa en forma de fantasma. Esta cinta, según reseñas cinematográficas, ha sorprendido gratamente a la crítica internacional por su osada propuesta narrativa y visual. Resaltan su capacidad de envolver al espectador en una atmósfera hipnótica, explorando temas como la identidad, la memoria y la libertad mediante una estructura narrativa no lineal. La voz de Pepe en tres idiomas diferentes narra su travesía y cuenta la historia de un hipopótamo que nació y creció en la zona del Río Magdalena, cerca de Medellín, Colombia. Cómo esos hipopótamos llegaron allí y qué pasó con ellos luego es el eje de esta película, que está libremente inspirada en un hecho real. Según comentarios sobre el filme se aborda la historia de los hipopótamos que fueron «importados» por la fuerza a Colombia por el narco Pablo Escobar en los años ’80. Grabada en cinco etapas distintas a lo largo de varios años, esta cinta tiene un gran trabajo de investigación detrás. Por este largometraje que hoy se estrena en el Festival de La Habana, certamen que cierra el 15 de diciembre, el director dominicano Nelson Carlo de los Santos ganó hace unos meses el Oso de Plata como Mejor Director de la 74 Berlinale, en Alemania. Es el primer realizador latinoamericano que gana tal reconocimiento, según resaltaron los medios tras el logro. De acuerdo con el portal laestatuilla.com, mediante la mezcla de la ficción y el documental, así como técnicas experimentales, este interesante trabajo utiliza la historia de este incomprendido ser (Pepe el hipopótamo) como canal para denunciar las consecuencias del narcotráfico, la incompetencia gubernamental y la intervención estadounidense en Latinoamérica. mem/dla
Por Julio Guzmán Acosta La Habana, Cuba – Hoy se inauguró el 45 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en la sala Charles Chaplin, con un fuerte mensaje de condena al genocidio israelí en Palestina y un llamado en defensa del derecho de este pueblo a vivir en paz. La directora del festival, Tania Delgado, instó a la audiencia a levantarse ante el \»silencio cómplice\» de algunos y anunció que el evento dedicará un día a amplificar las voces desde la cultura en apoyo a la causa palestina. En su discurso inaugural, Delgado enfatizó que la realización del festival es un acto de valor y un reflejo del deber de la cultura de levantarse ante las dificultades que enfrenta Cuba, que incluye una guerra económica, comercial y cultural impuesta por diversas administraciones estadounidenses. Alexis Triana, presidente del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (Icaic), destacó el apoyo gubernamental al festival y al desarrollo del cine en la nación antillana, a pesar de los retos significativos que ha enfrentado el país, incluidos desastres naturales y crisis económicas. Triana aseguró que el festival, que se extenderá hasta el 15 de diciembre, sigue siendo un evento crucial para la cultura cubana. Uno de los momentos más emotivos de la gala fue la entrega del Coral de Honor a Carol Rosenberg, directora del Havana Film Festival de Nueva York, quien recibió una cálida ovación del público presente. En su discurso de agradecimiento, Rosenberg subrayó el poder duradero del arte y el diálogo cultural, reflexionando sobre cómo el festival ha sido una experiencia transformadora que ha fomentado el entendimiento mutuo a través del cine durante los últimos 25 años. La inauguración del festival también incluyó la proyección de \»Los domingos mueren más personas\», un filme argentino, y se anticipa la presentación, este viernes, de los dos primeros capítulos de la serie \»100 Años de Soledad\», una adaptación de la obra maestra de Gabriel García Márquez, en primicia mundial a través de la plataforma de streaming Netflix. Con la participación de altos funcionarios del Gobierno cubano, diplomáticos, cineastas extranjeros y personalidades de la cultura, el festival se perfila como un importante espacio de intercambio cultural y cinematográfico, albergando 256 películas de 42 países, seleccionadas de un total de 2,017 obras recibidas para el concurso por los premios Coral.
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